Ten artists in ten minutes (or less)

Visitanos el Miercoles, 16 de Marzo a las 8PM por una noche de cortos de excelencia.
Todas las proyecciones duran 10 minutos o menos por una experiencia fluida y variada que cubre comedia, dramatico, animación y acción en vivo.

Como siempre, la entrada es gratuita. Habra vino, cerveza y refrescos disponibles por una donación sugerida.

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Join us on Wednesday, March 16th at 8PM for a night of award-winning film shorts.
All projections last 10 minutes or less for a flowing and varied experience that spans comedy, drama, animation and live action.

As always, admission is free. Beer, wine and soft drinks will be available for a suggested donation.

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Se mostraran las siguientes peliculas (pincha cada titulo para leer mas)
The following movies will be shown (click on each title for more info):

• Guy Maddin, “The Heart of The World” (2000);
• Norman McLaren, “Begone Dull Care” (1949);
• Run Wrake, “Rabbit” (2005);
• Chen Shaoxiong, “Ink History” (2010);
• The Quay Brothers, “Gilgamesh or This Little Unnameable Broom” (1985);
• Marco Brambilla, “Cyclorama / Getaway / Sequel / Sync: Watch” (1999–2003);
• Ahmed Imamovic, “10 minutes” (2002);
• Tim Burton, “Vincent” (1982);
• Negativland, “No Business / Gimme The Mermaid” (2007);
• Salvador Dalí and Walt Disney, “Destino” (1945–2003).

Nos vemos alli!
See you there!

Su país se destruyó tras el velo de una falsa promesa en una edad delicada. Decir que eso tiene una influencia en Goran Medjugorac no es bastante.
“Soy un hombre sin un país: pasé 20 años creciendo en Yugoslavia y esto me fue quitado. Es algo que nunca volverá. Hay muchos como yo. Me gusta utilizar la palabra ‘cosmopolitas’ porque la verdad es que pertenecemos al mundo entero.”
La dispersión de Yugoslavia se hizo con el pretexto de un futuro mejor, de la realización de un sueño nacido hace miles de años. A pesar de prometer a la gente libertad, democracia, prosperidad y libre elección, en la misma forma que hemos oído recientemente sobre Afganistán e Irak, la verdad es que la guerra existe únicamente por la mezquinidad de algunos individuos.
Esta decoración–manipulación–de la verdad es el tema de “Pata Negra,” que se expone en GAP antes de trasladarse a unas galerías del Este de Europa y América del Sur.
Goran es atípicamente reservado cuando habla de su obra. “No creo en traducir el arte en palabras. No funciona–se simplifica demasiado, se codifica. Es como intentar dibujar Dios. No funciona. Al final, lo has desmantelado tanto que sólo tienes un dibujo de un viejo con barba. Has totalmente perdido la idea de Dios.”

Goran Medjugorac
Nació en 1972 en Ljubljana, ex-Yugoslavia.
En el año 1996 acabó su carrera en la Facultad de Bellas Artes de Ljubljana, donde vivió y trabajó hasta el 2003. A partir de ese año vivió y trabajó en Oran (Algéria), Londres y Buenos Aires. Actualmente està terminando el Máster en Producción e Investigación Artística en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

www.goranmedjugorac.com

Gap te propone una exposición de ilustración con cinco ilustradores emergentes hasta el dia 25 de Febrero y una performance hoy (3 Febrero). En la performance estos 5 ilustradores pintán juntos por la primera vez un mural sobre el tema ¿Quién tiene miedo del Rougarou?

Desde el punto de vista de la tradición oral y religiosa, el Carnaval es el tiempo de exceso que precede a un período de purificación del alma, la Cuaresma. Antes del ayuno, la abundancia y consumo exagerado. Según la tradición francesa, y más tarde la estadounidense, este  periodo de exceso culmina en el Mardi Gras, el martes gordo, conocido genéricamente en otras culturas como el Carnaval. Carnaval proviene de la expresión latina Carne Vale, el adiós a la carne. La carne y la grasa son así una metáfora para el consumo y el exceso.

Según la tradición francesa y estadounidense, existe también una criatura o monstruo que sirve para controlar y sembrar el miedo y la obediencia en la sociedad cuando se entra en el periodo de cumplir con la purificación del alma (es decir, el ayuno). Este monstruo se llama Rougarou, una criatura mitad hombre, mitad lobo. Todos los que no cumplen con el ayuno serán perseguidos y muertos por el Rougarou. El Rougarou es una criatura de la noche que vive buscando sangre y carne cruda, humana o animal.

En este momento vivimos en una época donde todo es exceso: exceso de información, de preocupación, de consumo, exceso de basura, de enfermedades, y así sucesivamente. Nos enfrentamos todos los días con la idea de la austeridad y del control. Todos los días nos recuerdan que la fiesta ha terminado y que ahora vivimos en “el dolor después de la fiesta”. Todos los días nos enfrentamos a los ojos de Rougarou. Nos sentimos culpables por desear y querer, y no poder. Por lo tanto, podemos decir que el Rougarou aparte de recordarnos que tenemos que nos controlar, nos recuerda también lo contrario: que hay una vida llena de deseos y placeres que no queremos rechazar por nada en esto mundo.

Mientras tu
Te esfuerzas
Por ser un tío normal
y hacer todo siempre igual…

Yo por mi parte,
Aprendo a ser loco,
Totalmente loco,
En la locura real…

Controlando
A mi locura,
Mezclada
Con mi lucidez

Voy a quedar,
Quedar seguramente,
El loco perfecto
Yo voy a quedar,
Quedar seguramente,
El loco perfecto

extracto de una canción brasileña de Raúl Seixas “Maluco Beleza”

Artistas en destaque

Ángela Rodríguez

Nace en Málaga en 1986. Desarrolla en Granada estudios de Bellas Artes.

Todo lo que no nos atrevemos a hacer o decir en la vida cotidiana lo realizamos, mediante proyección simbólica, en el mundo de la ficción, ya sea literatura, cine, o  en mi caso  artes plásticas.
Los fantasmas que nos angustian y que escapan al control de la mente y el orden quedan liberados a través de las imágenes, produciéndose una catarsis purificadora e inofensiva de nuestros instintos.
Estos “monstruos” que vengo representando en mi obras son los “Otros” con los que todos nos sentimos de alguna manera identificados.
Es decir, trato con mi obra  de alterar en el espectador la estructura de oposición donde coexiste el placer de las pulsiones de destrucción con la necesidad de seguridad. Y de ese modo, la sensación de repulsión/seducción que sentimos frente a lo monstruoso se convierta en algo familiar, un lejano recuerdo, un déjà-vu.

Carolina Celas

Carolina es portuguesa, graduada en Diseño por la Universidade de Aveiro, Portugal y diplomada en Iustración creativa y técnicas de comunicación visual por Eina, Barcelona.

Mi obra se basa en cosas que veo, en cosas que leo y en musicas que escucho. soy llevada por mi dia a dia y por las personas que me rodean. no tienen que ser comprendidas ni racionales pero creo que tienen un lado metaforico y por vezes satirico.

Cristina Zafra

Cristina Zafra és llicenciada en Belles Arts i Filologia Romànica a la Univer- sitat de Barcelona, on també ha cursat un doctorat en l’especialitat de dibuix. Treballa bàsicament a partir de la il·lustració, el dibuix, el disseny i la fotogra- fia, tasques que combina amb la seva feina de músic.

Vaig viatjant de rostre en rostre
pel mateix tros de vorera;
cada dia és un déu tàcit
reclamant la seva ofrena.
Vaig tacant les bates blanques
amb filets de lluna negra;
resseguint la nena lliure
jugaré a ser presonera.

Cristina Zafra , il.lustradora i músic

Fernando Halcón

Con el pseudónimo de Rh, que construyen las iniciales de sus apellidos, Fernando Halcón (1969) crea con obsesivo detalle, un universo íntimo basado en el poder evocador del símbolo, en el que nuestros miedos comunes, pasiones y contra- dicciones afloran a la superficie de sus obras, como espejos construidos intencio- nadamente para someternos a la introspectiva reflexión de nuestros auto-recono- cimientos en los retratos que el autor propone frente a nosotros los espectadores. La intervención del recorte, representa nuestra fragilidad individual y colectiva.

Sus collages deconstructivos (la reutilización de piezas rescatadas con una reinterpretación simbólica) forman un “todo” estremecedor en el que se despliegan nuestros “monstruos”, quedando configurado el proceso artístico como un medio catártico de exoneración. Sus personajes se agitan en la pérdida de sus identidades, se presentan como accidentales actores en un escenario, en situaciones nunca libremente aceptadas, de las que, incluyendo a los verdugos, nunca se sale inmune.

Marcos Andrade

Dibujo mejor de que lo hablo
y pienso mejor que lo que escribo…

Ilustrador y pintor venezolano egresado del Centro de Diseño Digital (CDD), ha destacado sus obras por un delicado tratamiento de la figura, moldeándola a su interpretación, siendo ésta el centro de sus representaciones de contenido so- cial. Explora diferentes lenguajes gráficos donde las formas adquieren un carácter protagonista en el juego rítmico de luces y sombras, que nos trasladan a la historia y significado que nos cuentan sus obras.

Artist´s Statement

Sean Scully once said there was a reason why abstract painting existed. So, we ask ourselves why artists had a need to create it. I have always felt a need to paint, to express my feelings and experiences visually. Painting is one of the oldest forms of visual expression. It serves a basic need in us. I am primarily a figurative  painter but there are times I desire the freedom that abstraction provides me.  It offers me the possibility to look more within, to explore what is not always visible and convey a deeper sense of emotion. These paintings however have not lost there figurative quality or origins. They relate to people from life, family, friends, teachers, lovers. For me painting is asthetic. As Dostoesky said we can not live without a sense of beauty. While people will see the obvious influences of Rothko, Richter and Scully in these paintings they also owe as much to  Baroque and Romantic artists like Caravaggio, Rembrant and Turner. I agree with the musician Keith Jarrett´s statement that much of what is beautiful is being lost or destroyed in the modern world and as artists it is our duty to help preserve it. Music has played a key role in the creation of these paintings. Not only Jarrett but many of the musicians from ECM have deeply inspired me. I am also grateful for Rumi´s poetry which helped name these pieces. As a friend put it there is so much that is beautiful in this world. Thanks.

About the exhibition “Coda”, now at GAP

In musical terms, coda refers to a passage that brings a song to an end. Geoff Harwood´s new show at the Gracia Arts Project can also be summed up as a coda, as this is most likely his last at the gallery. His paintings display colorful geometric forms in an abstract and minimalistic context. They are as mysterious as they are deep; light washes cover and drip down, while previous layers peek through.

These pieces seem to be an addition to his older works, with more layers and a different palette used. In fact, some literally are built upon his previous paintings. Harwood explains that with repetition and layering, these works have been pushed as far as they can.

Raised in Baltimore, Maryland in the States, Harwood studied in New York and has lived in numerous countries, including Prague. He has lived in Barcelona since 2005 and considers is main influence Mark Rothko, which is apparent in his work.

The new pieces definitely have a kind of musical influence as well. Harwood listens to Keith Jarrett mostly when he paints. One can note that his fervent brushstrokes completely suit Jarrett’s passionate piano playing. Like a song, Harwood’s paintings have come to a coda.

by Chrissy Hughes

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The GAP Christmas Exhibition offers a wide and varied style of art and artists in this holiday season.

We thought about the global recession that has been so hard on everyone this year and the consumer pressure of Christmas and asked our artists to get involved.

The result was our idea of ” unique original gifts”. The prices are excellent and correct. We think there is something for everyone and each one is completely unique and special.

Select from pieces between €20 and €1,600.

Happy Holidays from everyone at GAP

Andrea Packard

Andrea Packard (Minneapolis, Minnesota, EE.UU.) actualmente vive y trabaja en Barcelona. Ella ha vivido en Chicago y en la costa este de los Estados Unidos y es licenciada en arte y psicología. Dedica varias tardes a la semana pintando en la Academia Taure en Gràcia. Su estilo está influenciado por el arte pop y el realismo; siempre ha sido cautivada por el color.

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Artemis

Es artista, ingeniera y ecologista. Estudió ingeniería ambiental y artes visuales en Perth, Western Australia. El tema de su obra es las sobras y basuras que se desechan generalmente porque tienen poco o nada de significado. Usa materiales reciclados y medias poco convencionales.

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Carlos Marín

Carlos Marín, escultor y dibujante mexicano trabaja desde hace mas de 10 años en una propuesta plástica alrededor del cuerpo humano. En un mundo donde lo conceptual prevalece, Marín se atreve a explorar en lo contemporáneo trayendo la más estricta de las tradiciones artísticas: el dibujo y la escultura. Con un sentido académico incorpora el lenguaje del siglo XXI. 

El humor caracteriza la obra de este artista; este mundo colapsado por el dolor y la frustración, Carlos Marín lo mira con un sentido irónico que nos coloca frente a un decir que nos arranca una sonrisa. Marín ve al cuerpo como su lenguaje y a través de él expresa su estar en el mundo

Tana | Cristina Migliorini

Italiana de origen, nos brinda una plasmación instintiva de imágenes fantásticas ubicadas en espacios urbanos y arquitecturas paladinas, típicas de su ciudad. “Inconsistenze” es la firma de esta artista, que es capaz de plasmar en un mismo cuadro diferentes estilos, quedando unificados por la potente pigmentación que invade todo el espacio. Somos testigos de un arte que hurga entre lo subjetivo, buscando los sentimientos vitales y espontáneos que no obedecen a la norma.

Edvar Sasun

Edvard Sasun es un pintor nacido en Armenia, educado primeramente como matemático en la Universidad Estatal de Ereván. Pero siempre le movió su fuerte convicción de ser artista, por eso, tiempo después fue aceptado en la Academia de San Petersgurgo. Con éxito se graduó y empezó a ser un artista reconocido. Domina el estilo clásico como pocos lo pueden hacer.

El sello de sus obras, es marcado por una clara inspiración paisajista, con objetos y personalidades que nos rodean. En cada pintura, la “naturaleza muerta” de cada objeto tiene un papel a desempeñar, todo está cuidadosamente pensado para que las imágenes cobren vida.

Maria S. Leiva

Nació en Sabiñánigo (Huesca) en el 76. Se trasladó a Barcelona para estudiar Ilustración y algo de fotografía. En seguida empezó a trabajar en el mundo audiovisual como diseñadora y se especializó en motion graphics. Descubrió que es una manera de trabajar imagen y color, pero jugando con el tiempo y el movimiento.

Entiende el arte como una búsqueda. Así que se deja llevar. En esta búsqueda, suele encontrarse con tremendas dualidades. Nada es lo que parece, y como no encuentre verdades que sean planas y absolutas, intenta reflejar esa ambigüedad.

Y asi es el resultado: lo bucólico convive con lo macabro, la vida con la muerte, lo inocente con la parte oscura. Le gusta jugar con la idea de que lo sincero vaya de la mano del engaño… y le inquieta y fascina las dobles lecturas!!

Le interesa la infancia, la religión, la muerte, el amor, los sueños, lo inocente, lo esotérico… Todo este pupurri se suele ver envuelto en el más precioso decorado, la naturaleza, que al fin y al cabo, es el gran escenario común donde todos representamos nuestros papeles con humor y cierta ironía.

Paola Vivanco

Empezó sus estudios de Arte en Lima, para luego continuarlos en la Universidad de Sevilla donde se licenció en 2008, desde entonces vivió en distintas ciudades españolas, Sevilla, Malaga, Madrid, Barcelona y Zaragoza.

En España su obra fue cambiando progresivamente del color al blanco y negro. Color en sus primeros años donde necesitaba comunicarse con el exterior para su propia adaptación e integración.

La necesidad de se comunicar cambió sin darse cuenta a la intima, con su sexualidad y con sus sentimientos.

Los trazos fuertes de color fueron reemplazados por la línea gris, buscando un dialogo silencioso, buscando espacio donde fluir, como el lienzo blanco, y convertir este fondo tan protagonista como la forma. La línea se reveló y se convirtió en alambre, buscando expandirse como la hiedra y tomar una actitud mas agresiva.

Su obra siempre está en constante evolución, pero aun le interesa mantener el formato clásico del lienzo, para así darle un significado de una libertad a medias.

Es su intención encontrar esa libertad a través del arte.

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This exhibition as the support of:

In the great restaurant of life, there are those who eat and those who get eaten. Raimundo Nonato finds an alternative way, a life of his own: he cooks in order to survive and find a place in society. He arrives in town without a penny in his pockets and starts working as help in a decadent bar, a nasty place, lost amid the urban desert. He sleeps in the storage room on the back, and under a cold neon light learns how to fry “pastel” and “coxinhas”, outdoing his “master”, Zulmiro, the owner of the bar.

Nonato is ignorant, but talented. He knows how to work the kitchen, soon others realize it too. The first one to notice him, is Iria, a prostitute, who doesn’t know how to cook but loves to eat and starts an affair with him. Then, Giovanni, the owner of the Boccaccio (an Italian restaurant in the neighborhood), offers Nonato a job as his apprentice.

A turn of events results in Nonato spending time in prison. For the prisoners and their boss, the violent Bujiù, Nonato is a savior; in fact soon their meager meals turn to a feast of exotic dishes orchestrated by Nonato’s magic. As a consequence of this, Nonato is given the following the nickname, a well suited one indeed: Rosemary.

Director: Marcos Jorge
Writters: Cláudia da Natividade, Marcos Jorge, Lusa Silvestre
Screenplay: Fabrizio Donvito
Main actors: João Miguel, Fabiula Nascimento, Babu Santana, Carlo Briani, Zeca Cenovicz

Inauguración el 4 de Noviembre (jueves) a las 20h en GAP

CATALÁ
L’època marróng és una collecció de pintures que l’artista Simón Vázquez ha realitzat al llarg d’un any i mig. Hi podrem trobar una mostra del particular món interior de l’autor, on es barreja un surrealisme temàtic grostesc i tendre per igual, tot amanit amb un toc d’humor crític, dibuixant finalment un retrat absurd de l’ésser humà.

Les obres d’aquesta exposició no ténen un ànim crític, com pot semblar a primera vista, sino que gaudeixen d’una interpretació oberta. El missatge és aquell que l’espectador vulgui donar-li a cada obra, buscant d’aquesta manera una complicitat entre autor i públic a un món on tot importa bastant menys del que pot semblar.

A l’exposició podrem trobar-hi, principalment, olis sobre llenç i fusta amb importància sobre el traç, i ocasionalment una mica de collage per a reforçar la densitat de la pintura i textura del quadre. Senyors, gaudeixin de l’època marróng, perquè si existeixen les èpoques rosa i blava, qui som nosaltres per a ignorar al marróng?

CASTELLANO
La época marróng es una colección de pinturas que el artista simón Vázquez ha realizado a lo largo de un año y medio. En ella podemos ver el particular mundo del autor donde se mezcla un surrealismo temático tan grotesco como tierno sazonado con un toque de humor citrico, dibujando así un retrato absurdo del ser humano.

Las obras de esta exposición no tienen un animo critico como puede sugerir a primera vista, si no que gozan de una interpretación abierta, el mensaje es el que el espectador le quiera dar, buscando así la complicidad entre artista y publico en un mundo donde todo importa bastante menos de lo que parece.

En la exposición podremos ver principalmente óleos sobre lienzo y madera con importancia hacía el trazo y ocasionalmente algo de collage para reforzar la densidad del la pintura y textura del cuadro. Señores, disfruten de la época marróng, porque si existen las épocas rosa y la azúl, quien somos nosotros para ignorar el marróng?

Tomorow, the 3rd of November at 20h30 playing at GAP, the movie Tampopo.

In this humorous paean to the joys of food, the main story is about trucker Goro who rides into town like a modern Shane to help Tampopo set up the perfect fast-food noodle restaurant. Woven into this main story are a number of smaller stories about the importance of food, ranging from a gangster who mixes hot sex with food to an old lady terrorizing a shopkeeper by compulsive squeezing of his wares.

Director: Juzo Itami
Writer: Juzo Itami
Stars: Ken Watanabe, Tsutomu Yamazaki and Nobuko Miyamoto
Release Date: September 1987 (USA) 

Cinema á la Carte is a multi-sensual combination of cinema and culinary pleasure. In this liaison each film offers inspiration or recipes for a special meal or menu and is wandering directly from the screen on to the plate. But unlike cookery programmes this food-themed film series is a well-matched mashup of images & sounds, flavours & smells, and feeds both brains and stomachs.

In countless movies the use of food plays rather a marginal role, nothing more than a prop or set piece depicted simply as an ordered social ritual. By contrast, within this curatorial selection, food is ‚the star of the show,’ in the centre of a ‚cinematographic plate’. Despite the lack of an olfactory channel the medium film is ideal for serving up culinary topics: Ingredients are shown in close-ups, we can see steam rising out of boiling pots, the cook taking a deep breath and his following facial reaction; prepared meals are perfectly illuminated and served, we see people eating, others munching and burping – at the table, in bed or wherever else can be eaten.

Thanks to imaginative directors the works shown along the film cycle are about far more than food and cooking per se: food & its preparation has rather a symbolic function, serves as a carrier for the representation of interpersonal relationships, love, passion, the circle of life & death, temptation, sin, social developments and ideologies…

The role played by food in films has never been properly acknowledged or registered, All that’s certain: Food is never unambiguously material and its metaphorical possibilities are endless considering food in all its potential shapes, colours, tastes, arrangements, ways of cooking and eating…

Cinema á la Carte spans from Tampopo, a quintessential food film and satire of Japanese culture, where food is almost a religion, and its preparation something in between Zen and Art, to the cult-movie Le Grande Bouffe in which cooking and eating is indicative of decadence, self-destruction, boredom and frustration up to the cannibal gourmet film Delicatessen, a post-apocalyptic anti-vegetarian fable about a Deli owner who gets paid in grain to serve his customers human sandwiches due to lack of food – especially with muscles and bones.

Cinema a la Carte – by far more than a coke & popcorn cinema experience…

Empty stomachs are welcomed and keep in mind: we’re not only eating to survive but as well surviving to eat!

• la exposición “Marrong Epoch” de Simon Vazquez Ferrer
• el ciclo de cine “Cine á la carte”
• la pelicula “Tampopo”
• la pelicula “Estômago”
• la pelicula “Delicatessen”
• el concierto de Josh Parker
• la pelicula “La Grande Bouffe”

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El Rusc de Gracia is a vision for an ideal art building in the heart of Gracia.

The building houses all the arts and integrates an academy for talented children. El Rusc de Gracia is a model for cultural integration, artistic integration and the philosophy proposes the creation of new culture – though home grown talent and diversity.

7 Octubre | 20h – 22h30

Le invitamos a la segunda inauguración de la exposición “El tamaño no importa”. En este Jueves preparamos una performance en vivo.

Daniel Meakin uno de los artistas presentados en esta exposición hará un live painting.

¡A no perder en GAP!

6 Octubre | 19h – 22h

Le invitamos a la inauguración de Cream, un nuevo espacio de creativos en Barcelona.

La apertura tendrá lugar el Miércoles 6 de Octubre de las 19h hasta las 22h, en el local 2 del número 14 del Passatge de la Pau ( Metro L3.Drassanes ).

Qué es Cream Espai Creatiu?

Cream surge con el objetivo de ser un nuevo punto de encuentro entre artistas, un local de creación y de exposición donde estarán a la disposición del público servicios de diseño gráfico, fotografía, ilustración, organización de eventos y agencia de artistas.

“un original por el precio de una lámina de ikea”

Más información sobre Cream Espai Creatiu aqui

Three Colours Red conocidos por sus ‘acoustic soul beats’ son una variada fusión de voces, composición y realización de los talentos de Matt Kemp, Maria Moreno y Sofía Granato. Un sonido innovador es creado por el juego de las tres voces imitando instrumentos, añadiendo textura y armonía a la riqueza rítmica basada en canciones acústicas.

Vital Film

Vital film is a platform open to all who are interested in the creation and promotion of independent film-making in Barcelona, from short film and documentary to video clips and experimental film.

vitalfilm.wordpress.com
 

Vital Graphics

A colective of people dedicated to the development of best practices on the communication of artistic and cultural events, as well of the artist itself.

We are part of the VITAL group that ultimately provides to the arts market a new approach to the selling of art objects and to the promotion and exihibition of upcoming artists. The VITAL group was born under the sheets of Gracia Arts Project (GAP), a project for exihibiting and democratizing art.

Our main goal is to prove that a good communication package and strategy are as important for the art market, as the artist and art object itselves. We aim to present good design ideas and groundbreaking ways of boosting an art exihibition, event, conference or simply a new artist in Catalunya’s art market and ultimately in the european one also.

vitalgraphics.wordpress.com

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Gracia Arts Project se renueva!!

¡El 1 de octubre GAP con orgullo, presentará su nueva web, logotipo y detalles completos de su nueva estrategia comercial!

El sitio web reúne a todos los medios de comunicación en línea de GAP y mantiene la antigua web con los perfiles de artistas.

GAP también introduce la marca vital. Los cinco proyectos vitales fueron desarrollados a partir de las necesidades de los miembros y diseñados para crear oportunidades comerciales para la gente en el equipo de dirección. A través de estos pilares esperamos establecer una base sólida y un futuro para una asociación artística sin ánimo de lucro.